Fin de Siècle — Francisco Tropa
MEEL Press, Lisboa
24.11.2023 — 25.01.2024
Resumida à sua condição mais pura, a imagem fotográfica é uma luz que atravessa um espaço e que repousa, simbolicamente, numa superfície. Num primeiro instante, o conjunto de imagens apresentadas por Francisco Tropa parece pairar entre o desenho, a emulsão, a escultura e a técnica finda que ora as materializa—a fotogravura. A velatura dos seus corpos aparenta diluir-se entre a liquidez da abstração e o peso da construção, que tanto se revela no seu desvelamento concreto—um copo, uma lente, três pedras—, como na sua indecifrabilidade poética – manchas, movimentos e reações que desenham sobre a superfície capturada.
Transversal a todos os trabalhos reside a ideia de Fin de Siècle, uma espécie de estranho contratempo histórico e artístico onde a exaltação de um aparente positivismo se interpela com a iminência de um sentimento de decadência perante as duas últimas décadas do século XIX. Em 1893, Hugo von Hoffmannsthal, o poeta do silêncio [1], escrevia o seu O Louco e a Morte (Der Tor um der Tot)—título homónimo da imagem que sucede a sombra clara de três volumes escultóricos e o feixe de luz a atravessar um rasgo de papel, que iniciam e terminam, respetivamente, a primeira sequência dos trabalhos. No texto cénico, um jovem e solitário esteta é visitado pela figura da Morte que o acompanha numa sucessão de encontros com padecidos, enfatizando a sua incapacidade de envolvimento emocional com os seus pares. Paradoxalmente, apenas o momento último da sua morte parece ser o seu primeiro momento de vida. Aqui, a alegoria entre a personificação de um louco face à representação da morte evidencia uma espécie de memento mori perante a frivolidade da vida, mascarada sob o jogo de uma danse macabra perfeita, onde o único que escapa a armadilha do fim é o que não entrega a sua mão, seduzindo o destino que o tenta enganar. Também a imagem, resultante do desenho sobre uma superfície enegrecida com fumo, conduz o movimento reativo e aparentemente constante de uma realidade em simultânea redenção e transformação.
Com uma dinâmica formal semelhante, surge Gradiva, uma imagem cuja enigmática qualidade pictórica a aproxima do mistério envolto na figura que lhe dá nome. A mulher que caminha surge como fonte de intenso fascínio e perturbação psicológica igualmente na viragem do século em que nos focamos, aparecendo no romance do mesmo nome de Wilhem Jensen [1]—posteriormente analisado por Freud no seu O Delírio e os Sonhos na Gradiva de W. Jensen (1907). A história de obsessão de um arqueólogo sobre a trasladada figura num baixo-relevo romano inspira no psicanalista uma análise profunda relativamente à influência dos sentimentos suprimidos que se enraízam no inconsciente do sujeito em delírio, invadindo-o. Figura mitológica moderna, Gradiva desencadeia, evidentemente, uma adoração exacerbada pela parte dos surrealistas e dadaístas do início do século XX, que vislumbram na personagem feminina uma musa sensual e mística. Gradiva caminha por entre o fumo, de ele surge e nele repousa, abstraída das imagens que a centram e que a informam. Um copo de água que parece espelhar metade do seu corpo e uma lente que amplia—ou distorce—o que aparenta ser o copo-corpo que a antecede.
Francisco Tropa tece e captura, anula e subverte aquilo que são alguns dos princípios, métodos e figuras icónicas da história da imagem e da cultura visual. Através da experimentação para além dos estágios da estranheza, retribui aos objetos a sua qualidade misteriosa ancestral, convocando o fascínio puro pelos signos e fenómenos extraordinários que inspiram o culto da imagem. Miragens de Holbein a Ensor, de Shakespeare a Duchamp. De facto, será pouco o que separa o carácter mágico das imagens que compõe Fin de Siècle, das naturezas mortas a que se aproximam. Talvez somente uma forma de construir e de olhar, ou de encarar a viragem de um momento para o outro.
[1] Alcunha atribuída ao escritor após cessar a sua atividade literária.
[2] Gradiva: Uma fantasia pompeiana, 1902
*English translation*
Summarised in its purest form, the photographic image is simply light passing through a space and symbolically resting on a surface. At first glance, the images presented by Francisco Tropa seem to hover between drawing, emulsion, sculpture and the final technique that now materialises them—photogravure. The veiling of their bodies seems to be diluted between the liquidity of abstraction and the weight of construction, which is revealed both in its concrete unveiling—a glass, a lens, three stones—and in its poetic indecipherability—the stains, movements and reactions that they draw on the captured surface.
Transversal to all the works is the idea of the Fin de Siècle, a kind of strange historical and artistic counterpoint where the exaltation of an apparent positivism is intertwined with the imminence of a feeling of decadence in the last two decades of the 19th century. In 1893, Hugo von Hoffmannsthal, the poet of silence [1], wrote his The Madman and Death (Der Tor um der Tot)—the homonymous title of the image that follows the light shadow of three sculptural volumes and the beam of light passing through a tear in the paper that begins and ends, respectively, the first sequence of works. In the scenic text, a young and lonely aesthete is visited by the figure of Death, who accompanies him on a succession of encounters with the sick, emphasising his inability to engage emotionally with his peers. Paradoxically, only the final moment of his death seems to be his first moment of life. Here, the allegory between the personification of a madman and the representation of death shows a kind of memento mori in the face of the frivolity of life, masked under the play of a perfect danse macabre, where the only one who escapes the trap of the end is the one who does not give up his hand, seducing the fate that tries to deceive him. The image, the result of drawing on a surface blackened with smoke, also enhances the reactive and apparently constant movement of a reality in simultaneous redemption and transformation.
With a similar formal dynamic comes Gradiva, an image whose enigmatic pictorial quality brings it closer to the mystery shrouded in the figure that gives it its name. The walking woman also emerged as a source of intense fascination and psychological disturbance at the turn of the century, appearing in the novel of the same name by Wilhem Jensen [1]—ater analysed by Freud in his Delirium and Dreams in W. Jensen's Gradiva (1907). The story of an archaeologist's obsession with the transferred figure in a Roman bas-relief inspires the psychoanalyst to analyse in depth the influence of suppressed feelings that take root in the unconscious of the subject in delirium, invading him. A modern mythological figure, Gradiva obviously triggered an exacerbated adoration on the part of the surrealists and Dadaists of the early 20th century, who saw in the female character a sensual and mystical muse. Gradiva walks through the smoke, emerges from it and rests in it, abstracted from the images that centre and inform her. A glass of water seems to mirror half of her body and a lens magnifies or distorts what appears to be the glass-body that precedes her.
Francisco Tropa weaves and captures, cancels and subverts some of the principles, methods and iconic figures of the History of the image and visual culture. Through experimentation beyond the stages of strangeness, he gives objects back their ancestral mysterious quality, summoning up a pure fascination for the extraordinary signs and phenomena that inspire the cult of the image. Mirages from Holbein to Ensor, from Shakespeare to Duchamp. In fact, there is little that separates the magical character of the images that make up Fin de Siècle from the still lifes to which they are akin. Perhaps it's just a way of building and looking, or of facing the turning point from one moment to the next.
[1] This is the nickname attributed to the writer after ending his literary practice.
[2] Gradiva: Uma fantasia pompeiana, 1902
© Bruno Lopes
© Galeria BRUNO MÚRIAS